ЧИМАРОЗА (Cimarosa) Доменико (1749—1801) — итальянский композитор. Сын каменщика, воспитанник школы для бедных. Окончил консерваторию «Санта-Мария ди Лорето» в Неаполе (1772). Среди его педагогов был, возможно, Н. Пиччинни. С 1787 придворный капельмейстер в Петербурге (руководил придворным итальянским оперным театром, ставил оперы как свои, так и других композиторов), в 1791—92 служил при дворе австрийского императора в Вене, с 1793 работал в Италии. Чимароза — преимущесвенно оперный композитор, автор свыше 70 опер-буффи (первая — «Причуды графа», 1772, Неаполь), опер-сериа (в т. ч. «Олимпиада», 1784; «Горации и Куриации», 1796) и другие. Наивысшее достижение Чимароза — опера-буффа «Тайный брак» (1792). Чимароза наряду с Дж.Паизиелло и Н.Пиччинни завершил эволюцию этого жанра.

ШНИТКЕ Альфред Гарриевич (1934-1998) — советский композитор. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987). Ученик Е. К. Голубева. Один из ведущих мастеров современной музыки, Шнитке в творчестве синтезирует элементы классических традиций и разнообразные элементы современной композиторской техники. Обращается к полистилистике, коллажу и др. Музыка Шнитке отмечена концепционностью, ощущением единства прошлого и настоящего культуры. В 1961—72 преподавал в Московской консерватории. Автор статей, в т. ч. о творчестве композиторов 20 века. Член-корреспондент Академии искусств Западного Берлина (1982), Академии искусств ГДР (1986), Баварской академии искусств (1986), Королевской шведской академии музыки (1987) Государственной премии РСФСР им. Н. К. Крупской (1986).

ШОПЕН (Chopin) Фридерик (1810—49) — польский композитор, пианист. Первоначальное музыкальное образование получил у В. Живного, затем обучался под руководством Ю. Эльснера в Высшей музыкальной школе в Варшаве. На формирование мировоззрения композитора оказали влияние борьба за независимость Польши (восстание под рук. Т. Костюшко в 1794, в котором принимал участие отец композитора — Николай Шопен, выходец из Франции), а также идеи польского литературного романтизма (К. Бродзиньский, А. Мицкевич, Ю. Словацкий). Рано проявившаяся гениальность композитора и пианиста (первые полонезы издавались в 1817) развивалась в творчески насыщенной атмосфере предреволюционной Варшавы, где Шопен усваивал опыт польских композиторов (Ф. Островского, М. Шимановской, М. Огиньского и др.) и венской классической школы. В ранних произведениях органично использованы обработки народной мелодий (Большая фантазия на польские темы B-dur для фортепьяно с оркестром), освоены жанры фортепьянных миниатюр (в т. ч. ноктюрн), а также крупные формы (соната для фортепьно № 1, фортепьянные трио). Вершины раннего периода — 2 концерта для фортепьяно с оркестром. Шопен - виртуоз получил признание в Вене, где выступал с концертами в 1829 и 1830—31. После поражения польского восстания (1830—31) Шопен связанный с участниками восстания, не смог вернуться на родину и остался до конца жизни в Париже, куда прибыл осенью 1831. Париж обогатил его новыми впечатлениями литературной, художественной и музыкальной жизни (знакомство с Г. Гейне, Ж. Санд, А. Мюссе, О. Бальзаком, Э. Делакруа, В. Беллини, Г. Берлиозом, Ф. Листом, Ф. Мендельсоном и др.) Отказавшись от карьеры виртуоза (Шопен много выступал в открытых концертах только в первые годы жизни в Париже), он сосредоточил свои поиски в области композиторского творчества, создав в 1830—40-х гг. выдающиеся произведения в различных жанрах фортепьянной музыки. Их объединяет тема Родины, приобретающая то героико-драматический и трагедийный характер (этюд № 12, прелюдии а-moll и d-moll, скерцо № 1, баллада № 1, соната b-rnoll с траурным маршем, полонезы es-moll, fis-moll), то глубоко лирический (ноктюрны, мазурки), народно-жанровый (мазурки) или торжественно-триумфальный (полонезы A-dur, As-dur). В произведениях 1840-х гг. эти образы находят гармоничное единение (фантазия f -moll, соната h-moll и др.).
         В 1835 и 1836 Шопен выезжал в Германию, в 1837 — в Лондон. Зиму 1838—39 провёл на острове Майорка (Испания). В последние годы жизнь Шопен осложнилась необеспеченным материальным положением, разрывом с Ж. Санд и тяжёлой болезнью. После кончины Шопена его сердце (по желанию композитора) было перевезено на родину, в Желязову-Волю.
         Глубоко национальное и подлинно народное творчество Шопена — родоначальника польской музыкальной классики, выдающегося пианиста своего времени — уникальное явление в истории музыки. Ограничив себя почти исключительно рамками фортепьянной музыки, он сконцентрировал в ней разнообразнейшие и наиболее перспективные художественные тенденции времени. Художественный мир Шопена отличается универсализмом: глубочайшая психологичность и сокровенный лиризм сочетаются с постоянным ощущением объективной жизненной реальности, тонкость в передаче отдельных настроений — с крупным рельефом драматического развития, мечтательная созерцательность — с активной действенностью. Характерная особенность его музыкального языка — новаторский синтез. Композитор-романтик, Шопен в своих сочинениях развивал принципы бетховенского симфонического метода, а также (в миниатюрах) баховских импровизационных форм. В то же время его произведения отличает моцартовское совершенство пропорций. Мелодика Шопена соединила вокальность и инструментальность, песенность и танцевальность, кантиленное и речевое начала, претворила характерные черты польского народного мелоса и итальянского оперного бельканто. В ладово-гармонической сфере опора на диатонические лады соединилась с утончённой хроматикой, ладовая переменность — с развитой модуляционной (вт. ч. и энгармонической) техникой, предвосхитившей многие открытия в области гармонии Ф. Листа, Р. Вагнера, К. Дебюсси, А. Н. Скрябина. Шопен раскрыл богатейшие возможности фортепьянной фактуры, создав выразительные типы фигурационного тематизма, «поющей» гармонии. Фортепьянный стиль Шопена, тесно связанный с его исполнительским стилем, отличается всепроникающим мелодизмом, гибкостью и пластичностью, сочетанием крупного штриха с тончайшей отделкой деталей, поэтической одухотворённостью целого. Влияние разнообразнейших жанровых связей у Шопена сказалось на всех выразительных средствах (в т. ч. и на ритмике). Разные типы польских деревенских и городских танцев (мазурка, куявяк, оберек, полонез), вальс, хорал, марш, их жанровые признаки, появляясь в различных комбинациях, подтверждают глубинную жизненную основу музыки Шопена и придают ей особую многомерность и содержательную ёмкость. Жанры и формы фортепьянного творчества Шопена обобщают важнейшие тенденции музыкального романтизма. Равнозначное место занимают у Шопена и миниатюра, и крупная (одночастная или циклическая) форма. Он возродил на романтической основе жанр прелюдии, создал образцы художественного (концертного) этюда, облек в классически совершенную форму жанры ноктюрна и экспромта, а также опоэтизированных и драматизированных танцевальных жанров — мазурки, полонеза, вальса. Явился создателем жанра инструментальной баллады, черты которой проникли во многие его сочинения, превратил в самостоятельный жанр скерцо, создал замечательный образец романтической фантазии. В балладах, скерцо, фантазиях складывается одночастная смешанная (свободная) форма с чертами внутренней цикличности. Зрелые сонаты Шопена по своей концепционности и интенсивности развития равнозначны симфониям. Творчество Шопена оказало огромное влияние на многие поколения музыкантов. С 1927 в Варшаве каждые 5 лет проводятся международные конкурсы пианистов имени Шопена. В 1934 организован Институт Шопена. (с 1950—Общество им. Ф. Шопена). Общества Шопена существуют в ЧССР, ГДР, Австрии, до 2-й мировой войны 1939—45 существовало во Франции. В 1932 в Желязовой-Воле открыт Дом-музей Шопена, в 1985 — основана Международная федерация обществ Шопена.

ШОСТАКОВИЧ Дмитрий Дмитриевич (1906—75) — советский композитор, пианист, педагог, музыкально-общественный деятель. Окончил Ленинградскую консерваторию у Л. В. Николаева (фортепьяно, 1923), М. О. Штейнберга (композиция, 1925). Концертировал как пианист, участвовал в ансамблях, исполняя свои произведения (на 1-м Международном конкурсе пианистов им. Ф. Шопека в Варшаве награжден почётным дипломом, 1927). С 1937 преподавал композицию (с 1939 профессор) в Ленинградской, в 1943—48 — в Московской консерватории. Среди учеников: Р. С. Бунин, Дж. Гаджиев, Г. Г. Галынин, О. А. Евлахов, К. Караев, Ю. А. Левитин, Г. В. Свиридов, Б. И. Тищенко, Г. И. Уствольская, К. С. Хачатурян, Б. А. Чайковский. Секретарь СК СССР (с 1957), СК РСФСР.
         Многоплановое, разнообразное по жанрам творчество Шостаковича стало классикой советской и мировой музыкальной культуры 20 века. Особенно велико значение Шостаковича - симфониста. В его 15 симфониях воплощены глубокие философские концепции, сложный мир человеческих переживаний, острые, трагические конфликты, звучит голос художника-гуманиста, борца против зла и социальной несправедливости. Продолжая лучшие традиции русской и зарубежной музыки (И. С. Бах, Л. Бетховен, Б. Малер, П. И. Чайковский, М. П. Мусоргский), Шостакович создал свой неповторимо-индивидуальный стиль, черты которого (динамика развития, неожиданность контрастов и образных перевоплощений тематизма, тонкая лирика, нередко окрашенная юмором или иронией, полифонизация фактуры) проявились уже в 1-йсимфонии (1925), принёсшей известность автору. О творческой зрелости Шостаковича свидетельствуют 4-я (1936) и 5-я (1937) симфонии, идею последней композитор определил как «становление личности» — от сумрачных раздумий через борьбу к итоговому жизнеутверждению). 7-я симфония (1941) — выдающийся памятник героизму советского народа в годы Великой Отечественной войны 1941—45 — начата в осажденном Ленинграде и посвященная этому городу. Драматургия симфонии основана на резком образном конфликте темы Родины и темы фашистского нашествия: пронизанная страстным пафосом обличения милитаризма, симфония имела большой политический резонанс во всём мире. 8-я симфония (1943), также связанная с военной тематикой, предвосхитила ряд произведений Шостаковича, вдохновленных движением борьбы за мир. 10-ю симфонию (1953) отличает внедрение песенных интонаций и приёмов развёртывания, 11-я (1957) и 12-я (1961) симфонии, посвящены Революции 1905 и Октябрьской революции 1917, ознаменовали обращение Шостаковича к программности. 11-я симфония, построенная на мелодиях подлинных революционных песен, опиралась на опыт музыки к историко-революционным фильмам 30-х гг. и «Десяти поэм» для хора на слова русских революционных поэтов (1951). 12-я симфония, посвящена В.И.Ленину, раскрывает идею революционной борьбы народа во имя свободы и счастья, 13-я симфония (на стихи Е. А. Евтушенко, 1962) — симфония - оратория, плакатно-броская по музыкальному языку, посвящена актуальным проблемам гражданской нравственности, бичуя кровавые преступления расизма, она славит народный юмор, душевную красоту и долготерпение русской женщины, бескорыстное служение истине. 14-я симфония (на стихи Ф. Гарсии Лорки и др., 1969), камерная по составу и масштабам частей, не уступает монументальным симфониям по широте охвата жизненных явлений и их философскому осмыслению. Это произведение, прототипом которого, по признанию автора, были «Песни и пляски смерти» Мусоргского, сконцентрировало трагедийность и проникновенную лирику, гротеск и драматизм, 15-я симфония (1971) замыкает эволюцию позднего симфонизма Шостаковича, отчасти перекликаясь с некоторыми ранними его произведениями. В ткань симфонии органично включены цитаты из увертюры к «Вильгельму Теллю» Россини и мотив судьбы из «Кольца нибелунга».
         Большой вклад внёс Шостакович в развитие музыкального театра. Однако его деятельность в этой области была грубо прервана появлением редакционных статей в газете «Правда» — «Сумбур вместо музыки» (28 января 1936) и «Балетная фальшь» (6 февраля 1936). Заметное влияние на сценические произведения Шостаковича оказал В. Э. Мейерхольд. Опера «Нос» — оригинальное музыкальное воплощение повести Н. В. Гоголя, отличается быстрым чередованием эпизодов, смелым употреблением сложных средств современной композиторской техники, многопланово-контрапунктичным строением массовых и ансамблевых сцен. Важнейшей вехой в творчестве Шостаковича и в истории оперного искусства стала опера «Леди Макбет Мценского уезда» («Катерина Измайлова», по Н. С. Лескову, 1932), где сатирическая заостренность в обрисовке отрицательных персонажей сочетается с одухотворенной лирикой и суровым, возвышенным трагизмом. Правдивость и сочность музыкальных портретов, психологическая углубленность, обобщение народно-песенных интонаций, особенно в финале, в картине каторги, говорят о близости Шостаковича к искусству М. П. Мусоргского. Идейно-эстетические заветы и выразительные средства последнего нашли отражение в эпической широте вокально-симфонической поэмы «Казнь Степана Разина» (на слова Евтушенко, 1964), в раскрытии темы «маленького человека» в вокальном цикле «Из еврейской народной поэзии» (1948). Шостакович осуществил оркестровую редакцию опер «Борис Годунов» (1940) и «Хованщина» (1959), оркестровку вокального цикла «Песни и пляски смерти» (1962). Крупными событиями советской музыкальной жизни было появление нескольких концертов для фортепьяно, для скрипки, для виолончели с оркестром, многих камерных произведений Шостаковича: фортепьянный квинтет, трио памяти И. И. Соллертинского, 15 струнных квартетов, 24 прелюдии и фуги для фортепьяно (первый подобный цикл в отечественной музыке), циклы романсов на слова А. С. Пушкина, А. А. Блока, М. И. Цветаевой, Микеланджело Буонарроти.
         Нарочитая простота письма некоторых сочинений конца 40-х — начала 50-х гг. (оратория «Песнь о лесах», 1949; вокальный цикл на слова Долматовского. 1951; кантата «Над Родиной нашей солнце сияет», 1952) обьясняется стремлением композитора ответить на обвинения в «антинародном формализме», выдвинутые тенденциозным постановлением ЦК ВКП(б) «Об опере „Великая дружба" В. Мурадели» от 10 февраля 1948. Многолетняя работа Шостаковича в кино характеризуется созданием музыкальных образов, использованием городского фольклора и рабочей революционной массовой песни («Златые горы», 1931; «Встречный», 1932; трилогия о Максиме, 1935—39; «Человек с ружьем», 1938; «Молодая гвардия», 1948; «Овод», 1955), музыке более поздних кинофильмов присущи симфонизированные принципы развития («Гамлет», 1964; «Король Лир», 1971). Творчество Шостаковича, завоевавшее ныне всеобщее признание, оказало значительное воздействие на развитие советского и мирового музыкального искусства.

ШТРАУС (Straus) Иоганн (отец) (1804-49) - австрийский скрипач, дирижёр, композитор. Первоначально альтист танцевального орк. М. Памера в Вене, затем - струнного квартета И. Ланнера (позже - помощник дирижёра в орк. Ланнера). В 1825 основал собственный танцевальный оркестр, с которым много гастролировал. Особую популярность приобрёл как дирижёр венских придворных балов. Наряду с Лайнером - создатель нового типа вальса (т. н. венского вальса), получившего распространение благодаря мелодич. выразительности, ритмич. гибкости, связи с австрийской народной песенностью. Как и Ланнер, Штраус перестал рассматривать вальс в виде отдельной танцевальной пьесы, писал циклы, состоящие из 5 вальсов с интродукцией и кодой.

ШТРАУС (Straus) Иоганн (сын) (1825—99) — австрийский композитор, скрипач, дирижёр. Старший сын И. Штрауса (отца). В 1844 организовал собственный концертеый ансамбль, который затем перерос в оркестр и скоро принёс известность Штраусу - дирижёру и композитору. После смерти отца Штраус объединил оркестр отца и свой и совершил концертные поездки по европейским городам; в 1856—65 и 1869 бывал в России, руководил летними концертными сезонами в Павловске, где исполнял произведения западно-европейских, русских композиторов и собственную музыку. В 1872 и 1886 выступал в Москве и Петербурге, в 1872 гастролировал в США. В 1863—70 дирижёр венских придворных балов.
         Штраус — крупнейший мастер венского вальса и венской оперетты. Написал около 500 произведений танцевальной музыки (вальсы, польки, мазурки и др.), которую поднял на высокий художественный уровень. Опирался на традиции Ф. Шуберта, К. М. Вебера, И. Ланнера, а также своего отца (в т. ч. развил форму 5-частного вальсового цикла с интродукцией и кодой), симфонизировал вальс и придал ему индивидуальную образность. Романтическая одухотворённость, мелодическая гибкость и красота, опора на австрийский городской фольклор, практику бытового музицирования обусловили популярность вальсов Штрауса «Прощание с Петербургом» (1858), «Жизнь артиста», «На прекрасном голубом Дунае» (оба — 1867), «Сказки Венского леса» (1868), «Венская кровь» (1873), «Весенние голоса» (1883), «Императорский вальс» (1890) как в Австрии, так и в других странах. Штраус начал писать оперетты под влиянием Ж. Оффенбаха в 1870-х гг. Однако, в отличие от драматургически насыщенной французской оперетты, в оперетте Штрауса господствует стихия танца (привлекается главным образом вальс, а также чардаш, галоп, мазурка, кадриль, полька и др.). Вершины творчества Штрауса в этом жанре - «Летучая мышь» (1874), «Цыганский барон» (1885). Штраус оказал сильное влияние на творчество О. Штрауса, Ф. Легара, И. Кальмана, а также Р. Штрауса (опера «Кавалер розы»). Музыку Штрауса ценили И. Брамс, Н. А. Римский-Корсаков, П. И. Чайковский и др.
         Его братья: Йозеф Штраус (1827—70) — автор популярных оркестровых пьес; дирижёр в оркестре Штраусов с 1853, с которым гастролировал по европейским городам (в 1862 в Павловске), и Эдуард Штраус (1835— 1916) — автор танцевальных сочинений; скрипач и дирижёр в оркестре Штраусов, с которым в 1865 и 1894 выступал с концертами в Петербурге и Павловске; в 1870 стал преемником Иоганна Штрауса на посту дирижёра венских придворных балов.

ШТРАУС (Strauss) Рихард (1864—1949) — немецкий композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель. С детства обучался игре на фортепьяно и скрипке. Изучал гармонию, контрапункт, инструментовку под руководством Ф. В. Мейера. Первые навыки дирижирования получил в любительском оркестре. Выступал с оркестрами Майнингена, Берлина, руководил оркестрами Государственной оперы в Дрездене и в Вене. С 1924 гастролировал в странах Европы (в России в 1896) и в США, выступал в Байрейтских фестивалях. В 1901—09 председатель Всегерманского музыкального союза, в 1917—20 руководитель класса композиторского мастерства в Берлинской академии искусств.
         Ведущий жанр творчества Штрауса в 1880-х гг. — симфоническая поэма или фантазия, с 1900 — опера (всего 6, многие оперы созданы в содружестве с австрийским драматургом X. Гофмансталем). Творчество Штрауса, тесно связанное с традициями романтического искусства (Р. Вагнер, И. Брамс, Ф. Лист), немецкой поэзией и философией (И. В. Гёте, И. Эйхендорф, А. Шопенгауэр, Ф. Ницше), отразило характерные тенденции западно-европейского искусства 1-й половины 20 в. Штраус прошёл путь от позднего романтизма к экспрессионизму, а затем — к неоклассицизму. Отталкиваясь от опыта Листа (одночастность, принципы монотематизма, лейтмотивного развития, трансформации тем), Штраус создал тип симфонической поэмы, в которой философская концепционность сочетается с яркой изобразительностью, театральностью музыкальных характеристик. Многие симфонические поэмы и фантазии Штрауса связаны с произведениями мировой литературы («Макбет» по У. Шекспиру, «Дон Жуан» по Н. Ленау, «Дон Кихот» по М. Сервантесу), а также философскими учениями («Так говорил Заратустра» по Ф. Ницше). Симфоническим поэмам близки симфонии Штрауса, среди которых особенно известны одночастная «Домашняя» и «Альпийская», продолжающая линию 6-й «Пасторальной» симфонии Бетховена и являющаяся по существу программной симфонической поэмой. Оперное творчество Штрауса отличается жанровым многообразием. Первая опера («Гунтрам», 1893) написана по образцу вагнеровских музыкальных драм. В «Саломее» (1905) и «Электре» (1908) близость к экспрессионизму проявилась в обострённости выразительных средств, передающих состояние напряжённости, порой экзальтации (обилие хроматизмов и задержаний, элементы политональности, полиритмические эффекты, мощная и красочная инструментовка, оркестр увеличенного состава). Стилевой поворот от повышенной экспрессивности и сложности музыкального языка к нарочитой простоте, прозрачности и экономности выразительных средств произошёл в опере «Кавалер розы» (1910), отличающейся ясностью языка, изящной комедийностью в духе опер-буффа В. А. Моцарта. В русле неоклассицизма созданы также оперы «Ариадна на Наксосе» (1912), «Молчаливая женщина» (1935), «Дафна» (1937) и др. Разнообразное по стилю оперное творчество Штрауса оказало влияние на развитие музыкального театра 20 века. Сохранилось большое эпистолярное наследие Штрауса (издана переписка с X. Бюловом, X. Гофмансталем, Р. Ролланом, Г. Малером, Э. Шухом, И. Грегором, С. Цвейгом, К. Краусом, В. Шу, Р. Хартманном и др.). Штраусу принадлежит также новая редакция трактата об оркестровке Г. Берлиоза («Instrumenta-lionslehre», 1905 ).

ШУБЕРТ (Schubert) Франц (1797—1828) — австрийский композитор. Родился в семье школьного учителя. В 1808—12 был певчим Венской придворной капеллы. Воспитывался в венском конвикте, где обучался генерал-басу у В. Ружички, контрапункту и композиции (до 1816) у А. Сальери. В 1814—18 помощник учителя в школе отца. К 1816 Шуберт создал свыше 250 песен (в т. ч. на слова И. В. Гёте — «Гретхен за прялкой», 1814, «Лесной царь», «Вознице Кроносу», обе — 1815), 4 зингшпиля, 3 симфонии и др. Вокруг Шуберта сложился кружок друзей — поклонников его творчества (в их числе — чиновник И. Шпаун, поэт-любитель Ф. Шобер, поэт И. Майрхофер, поэт и комедиограф Э. Бауэрнфельд, художники М. Швинд и Л. Купельвизер, певец И. М. Фогль, ставший пропагандистом его песен). Как учитель музыки дочерей графа И. Эстерхази Шуберт побывал в Венгрии (1818 и 1824), вместе с Фоглем ездил в Верхнюю Австрию и Зальцбург (1819, 1823, 1825), посетил Грац (1827). Признание пришло к Шуберту лишь в 20-х гг. В 1828, за несколько месяцев до смерти Шуберта в Вене состоялся его авторский концерт, прошедший с большим успехом. Почётный член Штирийского и Линцского музыкальных союзов (1823). Шуберт — первый крупный представитель музыкального романтизма, выразивший, по словам Б. В. Асафьева, «радости и скорби жизни» так, «как их чувствуют и хотели бы передать большинство людей». Важнейшее место в творчестве Шуберта занимает песня для голоса с фортепьяно. Один из крупнейших мелодистов, Шуберт реформировал жанр песни, наделив его глубоким содержанием. Обогатив прежние песенные формы — простую и варьированную строфическую, репризную, рапсодическую, многочастную, — Шуберт создал и новый тип песни сквозного развития (с объединяющим в целое варьируемым мотивом в партии фортепьяно), а также первые высокохудожественные образцы вокального цикла. В песнях Шуберта использованы стихотворения около 100 поэтов, прежде всего Гёте (около 70 песен), Ф. Шиллера (свыше 40; «Группа из Тартара», «Жалоба, девушки»), В. Мюллера (циклы «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь»), И. Майрхофера (47 песен; «Гребец»); среди других поэтов — Д. Шубарт («Форель»), Ф. Л. Штольберг («Баркарола»), М. Клаудиус («Девушка и Смерть»), Г. Ф. Шмидт («Скиталец»), Л. Рельштаб («Вечерняя серенада», «Приют»), Ф. Рюккерт («Привет», «Ты мой покой»), У. Шекспир («Утренняя серенада»), В. Скотт («Ave Maria»). Шуберту принадлежат квартеты для мужских и женских голосов, 6 месс, кантаты, оратории и др. Из музыки для музыкальных театров известность приобрели лишь увертюра и танцы к пьесе «Розамунда, княгиня Кипрская» В. Шези (1823).
         В инструментальной музыке Шуберта, основанной на традициях композиторов венской классической школы, большое значение приобрёл тематизм песенного типа. Композитор стремился сохранить напевную лирическую тему как целое, давая ей новое освещение с помощью тональной перекраски, тембрового и фактурного варьирования. Из 9 симфоний Шуберта 6 ранних (1813—18) ещё близки сочинениям венских классиков, хотя и отличаются романтической свежестью, непосредственностью. Вершинными образцами романтического симфонизма являются лирико-драматическая 2-частная «Неоконченная симфония» (1822) и величественная героико-эпическая «Большая» симфония C-dur (1825—28). Из оркестровых увертюр Шуберта наиболее популярны две в «итальянском стиле» (1817). Шуберт — автор глубоких и значительных по содержанию камерно-инструментальных ансамблей (один из лучших — фортепьянный квинтет «Форель»), ряд из которых написан для домашнего музицирования. Фортепьянная музыка — важная область творчества Шуберта. Испытав влияние Л. Бетховена, Шуберт заложил традицию свободной романтической трактовки жанра фортепьянной сонаты. Фортепьянная фантазия «Скиталец» также предвосхищает «поэмные» формы романтиков (в частности, структуру некоторых симфонических поэм Ф. Листа). Экспромты и музыкальные моменты Шуберта — первые романтические миниатюры, близкие сочинениям Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Листа. Фортепьянные вальсы, лендлеры, «немецкие танцы», экосезы, галопы и др. отразили стремление композитора к поэтизации танцевальных жанров. К той же традиции домашнего музицирования восходят многие сочинения Шуберта для фортепьяно в 4 руки, в т. ч. «Венгерский дивертисмент» (1824), фантазия (1828), вариации, полонезы, марши.
         Творчество Шуберта связано с австрийским народным искусством, с бытовой музыкой Вены. хотя он редко использовал в сочинениях подлинные народно-песенные темы. Композитор претворил также и особенности музыкального фольклора живших на территории Австрийской империи венгров, славян. Большое значение в его музыке имеют колорит, красочность, досигаемые с помощью оркестровки, обогащения гармонии побочными трезвучиями, сближения одноименного мажора и минора, широкого применения отклонений и модуляций, использования вариационного развития. При жизни Шуберта получили известность главным образом его песни. Многие крупные инструментальные сочинения были исполнены лишь через десятилетия после его смерти («Большая» симфония прозвучала в 1839, под управлением Ф. Мендельсона; «Неоконченная симфония» — в 1865).

ШУМАН (Schumann) Роберт (1810—56) — немецкий композитор, музыкальный критик. Родился в семье книгоиздателя. С 1828 изучал юриспруденцию в Лейпцигском и Гейдельбергском университетах. Ученик Ф. Вика (фортепьяно). С 13-летнего возраста выступал как пианист, однако повредил руку и не смог стать концертирующим исполнителем. В 1834 основал в Лейпциге журнал «Neue Zeilschrift fur Musik» (до 1844 был его главным редактором и автором). В 1840 женился на пианистке К. Вик (К. Шуман), совершил с ней ряд концертных поездок (по России в 1844). С 1843 некоторое время преподавал в Лейпцигской консерватории. С 1844 жил в Дрездене, с 1850 — в Дюссельдорфе, выступал как хоровой и симфонический дирижёр. В начале 1850-х гг. творческая и общественная активность Шумана начала снижаться в связи с обострением психического заболевания.
         Шуман — один из наиболее ярких представителей музыкального романтизма в Германии. Во многом родственное поэзии Г. Гейне, творчество Шумана было антитезой атмосфере мещанской Германии 1820—40-х гг. Оно звало в мир высокой человечности, воспевало красоту и силу чувства. Горячая страстность, гордая мужественность, тонкий лиризм, капризная изменчивость нескончаемого потока впечатлений и мыслей — характерные черты музыки Шумана. В творчестве Шуман опирался на образы литературного романтизма (Жан Поль и Э.Т. А. Гофман), многим его произведениям свойственна литературно-поэтическая программность. Шуман нередко обращается к циклу лирических, часто контрастных миниатюр (для фортепьяно или голоса с фортепьяно), позволяющих раскрыть сложную гамму психологических состояний героя, постоянное балансирование на грани реальности и вымысла. В музыке Шумана романтический порыв чередуется с созерцательностью, причудливая скерцозность с жанрово-юмористической и даже сатирически-гротесковыми элементами. Отличительной чертой произведений Шумана является импровизационность. Полярные сферы своего художественного мировоззрения Шуман конкретизировал в образах Флорестана (воплощение романтического порыва, устремления в будущее) и Эвзебия (рефлексия, созерцание), постоянно «присутствующих» в музыкальных и литературных произведениях Шумана как ипостаси личности самого композитора. В центре музыкально-критической и литературной деятельности Шумана — блестящего критика — борьба с банальностью в искусстве и жизни, стремление к преобразованию жизни посредством искусства. Шуман создал фантастический союз «Давидс-бунд», объединивший наряду с образами реальных лиц (Н. Паганини, Ф. Шопен, Ф. Лист, К. Шуман) также вымышленных персонажей (Флорестан, Эвзебий; маэстро Раро как олицетворение творческой мудрости). Борьба «давидсбюндлеров» и мещан-филистеров («филистимлян») стала одной из сюжетных линий программного фортепьянного цикла «Карнавал».
         Музыкальное творчество Шумана охватывает все жанры, за исключением балета, однако удельный вес каждого на протяжении всего творчества Шумана менялся, 1830-е гг. прошли под знаком создания произведений для фортепьяно. К высочайшим достижениям Шумана в области фортепьянной музыки относятся цикл «Симфонические этюды», написанный в форме вариаций (в которых наряду с романтическими образными трансформациями прослеживается классическая мотивно-тематическая работа), соната fis moll, фантазия. К началу 1840-х гг. всё большее значение в творчестве Шумана приобретают камерно-вокальные произведения (сборники и циклы романсов и песен для голоса с фортепьяно на стихи поэтов-романтиков Г. Гейне, Й. Эйхендорфа, А. Шамиссо), в которых лирическое чувство обретает высокую степень конкретности и глубокий психологизм. Новаторским в романсах и песнях Шумана был тип взаимодействия вокальной мелодики, гибко следующей за поэтическим текстом, и партии фортепьяно, раскрывающей подтекст, сокровенный смысл поэтического высказывания («Любовь поэта» на стихи Гейне и др.). В 1840-х гг. композитором создаются также камерно-инструментальные произведения, концерт для фортепьяно с оркестром, 4 симфонии, занимающие значительное место в творчестве Шумана и оказавшие большое влияние на современных ему композиторов, и др. В этих произведениях намечается поворот к классическим формам — симфонии, оратории («Рай и Пери» на сюжет «восточного романа» «Лалла Рук» Т. Мура), что свидетельствовало о поисках более обобщённых монументальных концепций. В то же время они знаменовали подход к созданию одночастной романтической поэмы (на основе принципа сквозного развития). В драматических эпизодах оратории, а также в сценах из «Фауста» И. В. Гёте Шуман подошёл к осуществлению своей мечты о создании оперы. Единственная опера композитора «Геновева», в основу которой легла средневековая легенда, во многом приближалась к формировавшимся в то время идеалам Р. Вагнера (музыкально-сценическая целостность, лейтмотивная система и др.). К высоким образцам принадлежит его музыка к драматической поэме «Манфред» Дж. Байрона (увертюра и 15 музыкальных номеров — вокальные ансамбли, хоры, мелодекламации). Музыка Шумана оказала сильное воздействие на музыкальное искусство 2-й половины 19 века, в т. ч. на творчество П. И. Чайковского и других русских композиторов.