МИНЬОНИ (Mignone) Франсиску (р. 1897) — бразильский композитор, дирижёр, пианист, педагог. Занимался в Миланской консерватории. Выступал как дирижёр во многих странах. Представитель национального направления. Среди сочинений: оперы «Торговец алмазами» (1924, Рио-де-Жанейро).«Невинный» (1928, там же); балеты «Маракату» (1939, там же), «Русалка» (1946, Сан-Паулу): «Тропическая симфония» (1958); 4 «Бразильских фантазии» и концерт для фортепьяно с оркестром: камерно - инструментальные ансамбли; хоры; песни; музыка к кино. С 1929 профессор консерватории в Сан-Паулу, в 1932—67 преподавал дирижирование в Национальной музыкальной школе Федерального университета в Рио-де-Жанейро.

МОНТЕВЕРДИ (Monteverdi) Клаудио (1567—1643) — итальянский композитор. Член римской конгрегации «Санта-Чечилия» (1590). С 1590 служил при дворе герцога Мантуанского (певец, исполнитель на струнных инструментах, в 1601—12 учитель музыки). Путешествуя с ним по Европе, знакомился с новой европейской музыкой. Опыт Флорентийской камераты перенёс в Мантую: в 1607 появилась первая опера Монтеверди «Орфей», в 1608 «Ариадна». Монтеверди угнетало бесправие придворного музыканта, но лишь в 1612 он добился увольнения. С 1613 руководил капеллой собора Сан-Марко в Венеции.
         Новаторское по своей сути творчество Монтеверди в то же время развивает традиция прошлого, прежде всего — ренессансной хоровой полифонии. Монтеверди отстаивал господствующую роль слова в музыке (почти все его произведения связаны с литературным текстом), достиг единства драматического и музыкального начал. Он обратился к гуманистической теме в музыке, отказался от чисто декоративной аллегоричности. Об эволюции оперного творчества Монтеверди можно судить по 3 сохранившимся целиком произведениям: «Орфей», «Возвращение Улисса на родину» (1640), «Коронация Поппеи» (1642). В «Орфее» Монтеверди, утверждая принципы Флорентийской камераты, усилил трагические мотивы, индивидуализировал речитативный стиль (создал различные типы речитатива, которые в дальнейшем повлияют на обособившиеся формы — арии и собственно речитативы). «Плач Ариадны» (единственный уцелевший фрагмент из оперы «Ариадна») по приёмам музыкальной выразительности и взаимодействию музыки и слова — классический образец lamento. В «Возвращении Улисса на родину» большое внимание уделено внешним сценическим эффектам, поворотам действия. «Коронация Поппеи» напряжённостью психологических конфликтов, антитезами комического и трагедийного, возвышенной и низкой лексики, патетики и приземлённой жанровости перекликается с шекспировской драмой. Мадригалы Монтеверди (8 сборников издаются в Венеции в 1587—1638) отражают путь проделанный жанром в конце 16 и 1-й половины 17 вв. Монтеверди достиг предельной драматизации мадригала (прежде всего в «Поединке Танкреда и Клоринды»), превратив его в драматическую сцену, и использовал новые исполнительские приёмы (в т. ч. пиццикато и тремоло струнных). Смелые новации отличают гармонию Монтеверди (свободное применение диссонансов, септаккорда без приготовления и др.). Светская и духовная (выделяется «Вечерня девы Марии», 1610) лирика Монтеверди взаимосвязаны: его оперный стиль повлиял на сольные мотеты, а хоровое письмо (в мадригалах и духовных произведениях) — на стиль «драмы на музыке». Большая заслуга в воскрешении наследия Монтеверди принадлежит Дж. Ф. Малипьеро, опубликовавшему его собрание сочинений.

МОНЮШКО (Momuszko) Станислав (1819—-72) — польский композитор, дирижёр. Учился в Варшаве у А. Фрейера (фортепьяно, орган), затем в Минске у Д. Стефановича (композиция) и в Берлине у К. Ф. Рунгенхагена. С 1840 работал в Вильнюсе церковным органистом, театральным дирижёром, давал уроки фортепьяно и теории музыки (в т. ч. Ц. А. Кюи). С 1858 главный дирижёр «Театра Бельки» в Варшаве: с 1864 преподавал в Музыкальном институте, среди учеников — З. Носковский. Монюшко неоднократно дирижировал своими сочинениями в Петербурге, поддерживал дружеские связи с русскими музыкантами (посвятил А. С. Даргомыжскому фантастическую увертюру «Сказка», 1848). В 1856 А. Н. Серов в рецензии на авторский концерт Монюшко в Петербурге отметил мелодичность свежесть, прозрачную оркестровку и оригинальность музыки. Монюшко — крупнейший польский композитор середины 19 века, создатель национальной оперы (свыше 15), первых национальных произведений в области симфонической музыки, один из основоположников национального камерно - вокального жанра. Произведениям Монюшко свойственны яркая мелодичность, лиризм, опора на национальный песенный и танцевальный фольклор, доступность музыкального языка, а в музыкально - сценических произведениях — мастерство в создании индивидуальных характеристик (особенно комических), в построении массовых, ансамблевых и сольных сцен. Глубоко усвоив народно-песенную культуру, Монюшко создавал оригинальные мелодии, многие из которых стали считаться народными. Главные черты композиторского мышления Монюшко ярко воплощены в опере «Галька», отражающей социальные конфликты и отличающейся демократической направленностью. Патриотические и демократические взгляды нашли выражение также в 12 «домашних песенниках», опере «Страшный двор» («Зачарованный замок»), запрещенной царскими властями после нескольких спектаклей в 1865, опере «Пария» (1869) и др. Монюшко был знаком с Б. Сметаной, поставившим «Гальку» в Праге (1868), Ф. Листом, издавшим полонезы Монюшко, и др.

МОЦАРТ (Mozarl) Вольфганг Амадеи (1756—91) - австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью. Выступал как клавесинист-виртуоз, скрипач, органист, дирижер, блестяще импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца — Л. Моцарта. Первые сочинения появились в 1761. С 5-летнего возраста с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии, Италии. В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии. В 1770 Моцарт некоторое время брал уроки у Дж. Б. Мартини и был избран членом Филармонии, академии в Болонье. В 1769—81 (с перерывами) состоял на придворной службе у архиепископа в Зальцбурге как концертмейстер, с 1779 как органист. В 1781 переехал в Вену, где создал оперы «Похищение из сераля». «Свадьба Фигаро»; выступал в концертах («академиях»). В 1787 в Праге Моцарт закончил оперу «Дон Жуан», тогда же получил назначение на должность «императорского и королевского камерного музыканта» при дворе Иосифа II. В 1788 создал 3 наиболее известные симфонии: Es-dur, g-moll, C-dur. В 1789 и 1790 выступал с концертами в Германии. В 1791 Моцарт написал оперу «Волшебная флейта»; работал над реквиемом (закончен Ф. К. Зюсмайром). Моцарт был одним из первых композиторов, избравших необеспеченную жизнь свободного художника.
         Моцарт наряду с И. Гайдном и Л. Бетховеном является представивелем венской классической школы, одним из основоположников классического стиля в музыке, связанного с разработкой симфонизма как высшего типа музыкального мышления, законченной системы классических инструментальных жанров (симфония, соната, квартет), классических норм музыкального языка, его функциональной организации. В творчестве Моцарта универсальное значение получила идея динамичной гармонии как принципа видения мира, способа художественного преобразования реальности. Одновременно в нём нашли развитие качества новых для того времени психологической правдивости и естественности. Отражение гармонической целостности бытия, ясность, светоносность и красота сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом. Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально-характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамичном равновесии и единстве. В центре художественного мира Моцарта — человеческая личность, которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера. Драматургия Моцарта основана на раскрытии многоплановости контрастных музыкальных образов в процессе их взаимодействия.
         В музыке Моцарта органично претворён художественный опыт разных эпох, национальных школ, традиций народного искусства. Большое воздействие оказали на Моцарта итальянские композиторы 18 в., представители мангеймской школы, а также старшие современники И. Гайдн, М. Гайдн, К. В. Глюк, И. К. и К. Ф. Э. Бахи. Моцарт ориентировался на созданную эпохой систему типизированных музыкальных образов, жанров, выразительных средств, подвергая их вместе с тем индивидуальному отбору и переосмыслению.
         Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии, взаимопроникновением вокальных и инструментальных начал. Моцарт внёс огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла. Моцарту свойственно обострённое чувство тонально-гармонической семантики, выразительных возможностей гармонии (использование минора, хроматизмов, прерванных оборотов и др.). Фактура произведений Моцарта отличается разнообразием сочетаний гомофонно-гармонического и полифонического склада, форм их синтеза. В области инструментовки классическая уравновешенность составов дополняется поиском различных тембровых комбинаций, персонифицированной трактовкой тембров.
         Моцарт создал св. 600 произведений различных жанров. Важнейшая сфера его творчества — музыкальный театр. Творчество Моцарта составило эпоху в развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры. Для его зрелых опер характерны органичное единство драматургии и музыкально-симфонических закономерностей, индивидуальность драматургии. Учитывая опыт Глюка, Моцарт создал свой тип героической драмы в «Идоменее», в «Свадьбе Фигаро». На базе оперы-буффа пришёл к реалистической музыкальной комедии характеров. Зингшпиль Моцарт превратил в философскую сказку-притчу, проникнутую просветительскими идеями («Волшебная флейта»). Многоплановостью контрастов, необычным синтезом оперно-жанровых форм отличается драматургия оперы «Дон Жуан».
         Ведущие жанры инструментальной музыки Моцарта — симфонии, камерные ансамбли, концерты. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой, развлекательной музыке того времени. В зрелые годы симфония приобретает у Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с индивидуализированной драматургией (симф. D-dur, Es-dur, g-moll, C-dur). Симфонии Моцарта — важный этап в истории мирового симфонизма. Среди камерно - инструментальных ансамблей выделяются по значению струнные квартеты и квинтеты, скрипичные и фортепьянные сонаты. Ориентируясь на достижения И. Гайдна, Моцарт разработал тип камерно - инструментального ансамбля, отличающийся утончённостью лирико-философской эмоции, развитым гомофонно-полифоническим складом, сложностью гармонии языка.
         В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина к фортепьяно. Сочинения для клавира, главным образом концерты для фортепьяно с оркестром дают представление об исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, изяществом.
         Моцарту принадлежит большое число произведений других жанров, в т. ч. песен, арий, бытовой музыки для оркестров и ансамблей. Из поздних образцов наиболее известна «Маленькая ночная серенада» (1787). Хоровая музыка Моцарта включает мессы, литании, вечерни, оффертории, мотеты, кантаты, оратории и др.: среди выдающихся сочинений: мотет «Ave verum corpus», реквием.

МУСОРГСКИЙ Модест Петрович (1839—81) — русский композитор. В раннем детстве обучался игре на фортепьяно под руководством матери, к тому же времени относятся первые опыты музыкальной импровизации. С 1849 постоянно жил в Петербурге. Учился в Петропавловской школе, в 1852—56 в Школе гвардейских подпрапорщиков. Одновременно брал уроки у пианиста Ант. А. Герке. В 1852 издается первое сочинение Мусоргского — полька «Подпрапорщик» для фортепьяно. По окончании школы произведён в прапорщики Преображенского полка. В 1858 вышел в отставку. Впоследствии из-за материальных трудностей был вынужден служить чиновником Инженерного управления (1863—67), лесного департамента и в ревизионной комиссии Государсвенного контроля (1868-80). Мусоргский выступал в концертах как пианист (солист и ансамблист). В 1879 совершил концертную поездку по югу России с певицей Д. М. Леоновой, с 1880 был аккомпаниатором в открытой ею школе (курсах) пения.
         Решающее воздействие на художественное развитие Мусоргского оказало знакомство (1856—57) с Д. С. Даргомыжским, М. Д. Балакиревым (под руководством последнего Мусоргский начал серьёзно заниматься композицией В. В. Стасовым. Мусоргский становится постоянным участником Балакиревского кружка — «Могучей кучки», провозгласившего своей целью борьбу за национальное искусство. Уже в сочинениях конца 50-х — начала 60-х гг. (хоровые произведения, в т. ч. хор из музыки к трагедии «Царь Эдип» Софокла: оркестровые, фортепьянные пьесы, романсы) проявились своеобразные черты его творческой индивидуальности. К середине 60-х гг. Мусоргский создал ряд реалистических вокальных сценок из народной жизни (на слова собственные, Н. А. Некрасова, А. Н. Островского и др.) — «Светик Савишна», «Калистрат», «Колыбельная Ерёмушке», «Спи, усни, крестьянский сын», «Сиротка», «Семинарист» и др., которые, являясь «этюдами» к операм, запечатлели неповторимые национальные характеры. Главное место в творческих исканиях Мусоргского занимала опера. В 1856 возник замысел (не осуществлен) оперы «Ган Исландец» (по В.Гюго). В 1863—65 работал над оперой «Саламбо» (по роману Г. Флобера, не окончена). Смелым экспериментом в области оперы явилась его «Женитьба» (на неизмененный текст комедии Н. В. Гоголя, 1868, не окончена). Эти работы подготовили Мусоргского к созданию одного из величайших творений — народной музыкальной драмы «Борис Годунов» (по А. С. Пушкину и Н. М. Карамзину, 1868—69; 2-я ред. 1872). Первоначально не принятая Дирекцией императорских театров опера была поставлена лишь в 1874 (в 1873 исполнены 3 сцены из оперы), но с большими купюрами. В 70-х гг. Мусоргский работал над народной музыкальной драмой «Хованщина» (на исторический сюжет, предложенный Стасовым, либретто Мусоргского, 1872—80, не инструментована) и одновременно над лирико-комедийной оперой «Сорочинская ярмарка» (по повести Н. В. Гоголя, не окончена). В эти же годы созданы вокальные циклы на слова А. А. Голенищева-Кутузова «Без солнца» (1874), «Песни и пляски смерти» (1875—77), а также «Детская» (слова Мусоргского, 1872), романсы на слова А. К. Толстого (1877), фортепьянный цикл «Картинки с выставки» (1874).
         После смерти Мусоргского «Хованщина» была завершена Н. А. Римским-Корсаковым, над «Сорочинской ярмаркой» работали А. К. Лядов, Ц. А. Кюи, В. Г. Каратыгин и др. Римский-Корсаков сделал новую редакцию «Бориса Годунова». В 1920-х гг. проведена большая работа (П. А. Ламм, Б. В. Асафьев) по восстановлению авторских редакций. Д. Д. Шостакович осуществил новые оркестровые редакции опер «Борис Годунов» (1940) и «Хованщина» (1959). Самостоятельный вариант «Сорочинской ярмарки» (завершена, оркестрована) принадлежит В. Я. Шебалину.
         Эстетические воззрения Мусоргского неразрывно связаны с расцветом национального самосознания в эпоху 60-х гг. 19 века, а в 70-х гг. — с такими течениями русской мысли, как народничество и др. В центре его творчества — народ как «личность, одушевлённая единою идеею», важнейшие события отечественной истории, в которых с большой силой проявляются воля и суд народа. В сюжетах из отечественного прошлого он искал ответы на современные вопросы. «Прошедшее в настоящем — вот моя задача», — писал он Стасову. Одновременно Мусоргский ставил своей целью воплощение «тончайших черт природы человека», создание психологическо - музыкальных портретов. Он стремился к самобытному, истинно национальному стилю, для которого характерны опора на русское крестьянское искусство, создание соответствующих духу этого искусства оригинальных форм драматургии, мелодии, голосоведения, гармонии и т. д. Однако музыкальный язык Мусоргского, продолжателя традиций М. И. Глинки и А. С. Даргомыжского, отмечен столь радикальной новизной, что многие его находки были восприняты и развиты только в 20 в. Таковы, в частности, многомерная «полифоническая» драматургия его опер, его свободно вариантные формы, далёкие от норм западно-европейской классики (в т.ч. от сонатности), а также его мелодика — естественная, «творимая говором», т. е. вырастающая из характеристических интонаций русской речи, песни и обретающая форму, соответствующую строю чувствований данного персонажа. Столь же индивидуален гармонический язык Мусоргского, где элементы классической функциональности сочетаются с принципами народно-песенной ладовости, с импрессионистическими приёмами, с последованиями звучностей экспрессионистического плана. В дальнейшем творческие открытия Мусоргского в области музыкальной декламации, гармонии привлекли внимание К. Дебюсси, М. Равеля и др. Влияние творчества Мусоргского испытали почти все крупные композиторы 20 в., в т. ч. С. С. Прокофьев, И. Ф. Стравинский, Д. Д. Шостакович. Л. Яначек. О. Мессиан. В 1968 в деревне Наумове (ныне Куньинского района Псковской области) открыт Музей-усадьба Мусоргского.

НАПРАВНИК 3дуард Францевич (1839 - 1916) - русский дирижёр, композитор. По национальности чех. С 1861 жил в России. Был капельмейстером оркестра князя Юсупова в Петербурге, с 1863 помощником капельмейстера, с 1867 второй с 1869 первый капельмейстер (главный дирижёр) Мариинского теара. Способствовал поднятию профессионального уровня спектаклей. Дирижировал премьерами опер «Вильям Ратклиф», «Анджело», «Сарацин» Кюи, «Вражья сила», «Псковитянка», «Майская ночь», «Снегурочка», «Опричник», «Орлеанская дева», «Пиковая дама» Чайконского, «Демон» и др. Поставил тетралогию «Кольцо нибелунга» и др. Выступал и как симфонический дирижёр, в 1869-81 руководил симфоническими концертами РМО в Петербурге. Из многочисленных произведений Направника в музыкальной практике сохранилась опера «Дубровский», написанная в традициях П. И. Чайковского.

ОГИНЬСКИЙ (Oginski) Михал Клеофас (25 IX 1765, Гузув, близ Варшавы - 15 Х 1833, Флоренция) - польский композитор и политический деятель. Учился игре на фортепьяно у Ю. Козловского, придв. музыканта Огиньских (1770-е гг.), затем у И. М. Ярновича (скрипка), совершенствовался в Италии у Дж. Б. Виотти и П. М. Ф. Байо. Для формирования Огиньского-музыканта имели важное значение поездки в имения его родственника, политического деятеля и музыканта Михаила Огиньского, содержавшего постоянную капеллу, оркестр и театр. С 1789 Огиньский был польским послом в Англии и Голландии. Принимал активное участие в восстании Т. Костюшко (1794), затем эмигрировал в Италию, некоторое время жил в Константинополе. После амнистии 1802 г. вёл активную политическую деятельность в качестве сенатора Российской империи, добиваясь восстановления независимости Польши. В 1823-33 жил во Флоренции. Композиторскую деятельность начал в 1790-е годы, создал многочисленные марши и боевые песни, получившие распространение среди повстанцев 1794, и около 20-ти полонезов, завоевавших широкую известность, в том числе "Прощание" ("Les flieux") и полонезы, получившие названия "Прощание с родиной" ("Pozegnanie Ojczyzny", 1794), "Раздел Польши" ("Rozbior Polski") и другие. Огинскому приписывается созданная в эти годы боевая песня "Ещё Польша не погибла" ("Jeszcze Polska nie zginela"), ставшая впоследствии польским национальным гимном.
         Большую часть творческого наследия Огиньского составляют фортепьянные пьесы - полонезы, мазурки, марши, менуэт, вальсы, а также многочисленные романсы (в т. ч. одни из первых на польские тексты), характеризующиеся наличием национальных польских элементов в ритмике и мелодике, изяществом и лиризмом. Огиньскому принадлежит опера "Зелида и Валькур, или Бонапарт в Каире" ("Zelis et Valcour, ou Bonaparte au Caire", 1799; 1953, Краковское радио), созданная в период, когда мечты Огиньского о возрождении независимой Польши связывались с именем Наполеона. Фортепьянное и вокальное творчество Огиньского - одно из важных достижении польской музыки его времени и позволяет считать Огиньского, наряду с Ю. Эльснером, крупнейшим предшественником Ф. Шопена. Произведения Огиньского исполнялись и издавались в Варшаве, Петербурге, Париже, Лейпциге, Милане и др. городах. Опубликовано (сохранилось ок. 60 произведений, составляющих лишь часть его наследия) много анонимных изданий его сочинений (часто с искажениями).

ОФФЕНБАХ (Offenbach) (настоящие имя и фамилия Якоб Эбершт, Eberscht) Жак (1819—80) — французский композитор, дирижёр, виолончелист. Родился в Германии, в еврейской семье. С 1833 жил в Париже. Занимался у Ф. Галеви (композиция). Играл в театральных оркестрах, выступал как виолончелист и дирижёр. В 1855—62 руководил созданным им театром «Буфф-Паризьен», где ставил свои одноактные оперетты. Основоположник французской оперетты. Мировую славу принесли ему «Орфей в аду» (1858). «Прекрасная Елена» (1864), «Парижская жизнь» (1866), «Пернкола» (1868), «Дочь тамбурмажора» (1879) и др. При многообразии сюжетов в центре большинства оперетт Оффенбаха — едкая сатира, пародия на буржуазно-аристократическое общество в его нравственном разложении и коррупции. Музыка Оффенбаха отличается изяществом, игриво-пикантной мелодикой, зажигательной танцевальной ритмикой. Написал оперу «Сказки Гофмана» (1880), проникнутую лиризмом, романтичностью. Творчество Оффенбаха определило дальнейшее развитие французской оперетты, оказало значительное влияние на формирование этого жанра в других странах.

ПАГАНИНИ (Paganini) Никколо (1782—1840) — итальянский скрипач, композитор. Первоначальные навыки игры на мандолине и скрипке приобрёл под руководством отца — мелкого торговца, любителя музыки. Брал уроки у нескольких учителей, но обучался самостоятельно. С 11-летнего возраста концертировал в Италии, с 1828 — в других европейских странах, завоевав мировую славу. Своеобразный «демонический» облик Паганини, романтические эпизоды его биографии породили легенды о нём. Католическое духовенство преследовало Паганини за антиклерикальные высказывания, за сочувствие карбонариям. Творчество Паганини, художника-новатора, — одно из ярких проявлений музыкального романтизма. Он произвёл переворот в скрипичном исполнительском искусстве, обогатив и расширив возможности скрипки. В свои скрипичные пьесы Паганини ввёл новые колористические и технические эффекты (широко использовал весь диапазон инструмента, технику двойных нот, игру на одной струне, pizzicato, флажолеты). Среди его сочинений особенно славятся «24 каприса» для скрипки соло, 1-й и 2-й концерты для скрипки с оркестром. Некоторые произведения долгое время после смерти Паганини считались неисполнимыми из-за их трудности. Виртуоз-гитарист, Паганини написал также около 200 пьес для гитары. Исполнительское и композиторское творчество оказало большое воздействие на последующее развитие инструментальной музыки. Образ Паганини запечатлен Г. Гейне в повести «Флорентийские ночи». Паганини посвящён роман А. К. Виноградова «Осуждение Паганини». С 1954 в Генуе ежегодно проводится Международный конкурс скрипачей имени Паганини.

ПАХЕЛЬБЕЛЬ (Pachelbel) Иоганн (1653—1706) — немецкий композитор, органист. С 1673 работал в соборе св. Стефана в Вене, с 1677 — в Эйзенахе, где сблизился с семейством Бахов (у Пахельбеля учился старший брат И. С. Баха — И. К. Бах). С 1678 работал в Эрфурте, с 1690 — при дворе герцогини Вюртемоергской в Штутгарте. С 1692 органист в Готе, с 1695 — в Нюрнберге. Пахельбель — один из крупнейших композиторов 17 в. Наибольшее значение имеют органные и клавирные произведения Пахельбеля. Органные фуги (26) и хоральные прелюдии (св. 60) отличаются высокой полифонической техникой и тематической характерностью. Автор 2 месс, магнификатов, мотетов, духовных концертов, арий: органных токкат (16), фантазий (6), чакон (6), ричеркаров (3); 17 клавирных сюит и других сочинений. Среди учеников: А. Н. Феттер, И. Г. Вальтер. Сыновья Пахельбель: Вильгельм Иероним Пахельбель (1686—1764) — церковный органист, композитор (жил в Германии); Карл Теодор Пахельбель (1690—1750) — органист (работал в Англии и Северной Америке).
Смотреть видео