РУБИНШТЕЙН Антон Григорьевич (1829—94)—русский пианист, композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель. Занимался у А. И. Виллуана (фортепьяно), З. Дена (музыкально-теоретические предметы). В 1839 впервые выступил как пианист в публичном концерте в Москве. В 1840—43 совершил концертное турне по крупнейшим западно-европейским городам. В 1848—54 концертировал как пианист и дирижёр в Петербурге (главным образом с исполнением собственных сочинений), в 1854—58 — за рубежом, где общался с Ф. Листом, оказавшим существенное влияние на развитие пианизма. Рубинштейн завоевал славу одного из величайших пианистов мира. Его пианистическое искусство отличалось драматической силой, мужественностью. Глубоко проникая в авторский замысел произведения, Рубинштейн смело создавал свои исполнительские образы. Большое просветительское значение имели циклы т.н. Исторических концертов (провёл их в 1885—86 в России и в ряде европейских стран), в которых Рубинштейн показал эволюцию фортепьянной музыки от истоков до сочинений современных ему русских композиторов.
         В конце 50-х гг. развернулась широкая музыкально-общественная деятельность Рубинштейна. По его инициативе были созданы Певческая академия (1858), Русское музыкальное общество (1859), Петербургская консерватория (1862) — первая в России (до 1867 и в 1887—91 её профессор и директор). В 80-х гг. разработал проекты организации в России общедоступных концертов и оперных спектаклей, государственных правительственных консерваторий, музыкального воспитания в школах.
         Обширно и разнообразно по жанрам музыкальное наследие Рубинштейна. Ему принадлежат оперы, лучшая среди которых — «Демон» (1871); оратории; симфонии; концерты (выделяется 4-й концерт для фортепьяно с оркестром ); камерно-инструментальные и вокальные сочинения; фортепьянные пьесы. Композиторское творчество Рубинштейна имело большое историческое значение: зачастую он прокладывал пути, по которым шли последующие композиторы. Так, его симфонии (не выдержавшие испытание временем) помогли русским композиторам в освоении классического симфонического цикла. От его фортепьянных произведений тянутся нити к творчеству П. И. Чайковского, С. В. Рахманинова. По инициативе Рубинштейна был основан Международный конкурс пианистов и композиторов (1890, Петербург: проводился каждые 5 лет до 1910 — в Берлине, Вене, Париже, Петербурге).

САРАСАТЕ, Сapaсате-и-Наваскуэс (Sarasatt у Navascuez) Пабло де (1844—1908) — испанский скрипач, композитор. Ученик Д. Алара (скрипка). Концертировал с детского возраста; был награждён королевой Изабеллой скрипкой А.Страдивари. С 1859 гастролировал в странах Европы, Азии, Северной и Южной Америки. Выступал также как ансамблист. В 1860-х гг. организовал в Париже струнный квартет, с которым выступал во многих странах (в России впервые в 1869). Исполнительский стиль Сарасате — крупнейшего скрипача-виртуоза — оказал воздействие на становление скрипичного искусства 20 века. С наибольшим успехом исполнял собственные сочинения, в которых ярко проявился национальный стиль. Автор произведений для скрипки с фортепьяно (в т. ч. «Арагонская хота»), концертных фантазий на темы классических опер и др. Как композитор оказал влияние на инструментальное творчество И. Альбениса, М. де Фальи, Э. Гранадоса.

СВИРИДОВ Георгий (Юрий) Васильевич (1915-1998) — советский композитор, пианист, музыкально-общественный деятель. Народный артист СССР (1970). Герой Социалистического Труда (1975). В 1941 окончил Ленинградскую консерваторию по классу композиции, где учился у П. Б. Рязанова, Д. Д. Шостаковича. Секретарь Союза Композиторов СССР (1962—74, с 1986), 1-й секретарь Союза Композиторов РСФСР (1968—73).
         Центральное место в творчестве Свиридова занимают жанры, связанные со словом. Свиридов дебютировал в 1935 циклом романсов на слова А. С. Пушкина. Вокальная поэма «Страна отцов» (1950) и цикл песен на слова Р. Бёрнса (1955) знаменуют творческую зрелость композитора. В эпических произведениях — «Поэме памяти Сергея Есенина», «Патетической оратории», «Курских песнях» ярко выражено высокое этическое начало творчества Свиридова, главная тема которого — Родина, её судьбы. Свиридов наследует и самобытно претворяет многовековые традиции русской певческой культуры, органично сочетая их с завоеваниями искусства 20 века. Музыка Свиридова отмечена естественностью и индивидуальной неповторимостью языка, впитавшего интонации и ритмы живой современной речи. Композитор существенно обновил и преобразовал жанры оратории, кантаты, романса, песни. Внёс вклад в развитие симфонической и фортепьянной музыки. Творчество Свиридова оказало значительное влияние на развитие современной музыки. Ленинская премия (1960), Государственная премия СССР (1946, 1968, 1980).

CEH-CAHC (Saint-Saens) Камиль (1835-1921) — французский композитор, пианист, органист, дирижёр, музыкальный критик и писатель, педагог, музыкально-общественный деятель. Член Института Франции (1881). Почётный член Петербургского отделения РМО (1909). Занимался в Парижской консерватории у Ф. Бенуа (орган), Ф. Галеви (композиция). В 1853—77 органист в соборах Парижа, одновременно (1861—65) преподавал (фортепьяно) в школе Л. Нидермейера. Среди учеников: Г. Форе, А. Мессаже. Концертировал как пианист и дирижёр (исполнял преимущественно собственные сочинения), в т. ч. в России (в 1875 и 1887). Основал совместно с Р. Бюссином Национальное музыкальное общество (1871).
         Наиболее яркая область творчества Сен-Санса - симфоническая и инструментально-ансамблевая музыка: симфония с органом (памяти Ф. Листа, 1886), симфонические поэмы (в т. ч. «Пляска смерти», 1874), концерты, «Интродукция и рондо-каприччиозо» для скрипки и оркестра (1863). В сочинениях Сен-Санса господствуют светлая поэтическая лирика, радостные настроения, сочная жанровость, умиротворённая созерцательность, благородная патетика, сдержанный драматизм. Из опер Сен-Санса выделяется «Самсон и Далила» (1876), отмеченная чертами ориентализма. Её отличают эпическая ораториальность, проникновенная лирика и драматизм. С 1872 Сен-Санс вёл интенсивную музыкально-критическую деятельность.

СИБЕЛИУС (Sibelius) Ян (1865—1957) — финский композитор, педагог. Учился у М. Вегелиуса и др. С 1891 преподавал в Хельсинкской консерватории (композиция, скрипка). Первое значительное произведение Сибелиуса — симфония «Куллер-во» (основанная на образах карело-финского эпоса «Калевала», 1892), свидетельствовавшая о возникновении национального финского романтического стиля. В 1890 1910-х годах завоевали признание в Финляндии и др. странах его симфонии, а также симфонические поэмы, основанные на финской народной поэзии, истории, мифологии и эпосе, в т. ч. наиболее известное сочинение Сибелиуса — «Туонельский лебедь» (написанное на сюжет «Калевалы») из оркестровой сюиты «Лемминкяйнея». Глава финской композиторской школы, Сибелиус стал одним из видных продставителей мирового симфонизма. Для Сибелиуса, тяготевшего к программности, характерны виртуозное владение искусством преобразования тем, синтезирование классических и романтических принципов формообразования. Не цитируя народных мелодий, Сибелиус органично претворял музыкальный фольклор, используя его ладово-гармонические и ритмические особенности. Сочинения Сибелиуса отличаются своеобразной северной строгостью и одновременно непосредственностью высказывания. Характерны патриотические мотивы, которыми проникнуты 2 первые симфонии, симфоническая поэма «Финляндия», кантата «Край родной», хоровые сочинения. Образы финской природы претворены в 4-й симфонии, симфонических поэмах «Сага», «Весна». «Дриада», «Океаниды» и др. сочинения, музыкальный язык которых близок импрессионизму. Сибелиус — автор около 100 романсов и песен, лучшие из них — «Чёрные розы», «Тростник». «Девушка вернулась со свиданья». Произведениям 1910—15-х гг. присущи ритмическая свобода и причудливость, тематическая мозаичность: в них появляются тревожные настроения (4-я симфония, 1914, и др.). В последних сочинениях Сибелиус вернулся к простоте и классической ясности формы (7-я симфония, симфоническая поэма «Тапиола»). Среди других популярных произведений Сибелиуса — концерт для скрипки с оркестром и «Грустный вальс» (из музыки к спектаклю по пьесе «Смерть» А. Яркефельта). Творчеству Сибелиуса посвящён ежегодный Международный музыкальный фестиваль «Неделя Сибелиуса» (с 1951, Хельсинки).

СКАРЛАТТИ (Scarlatti) Доменико (1685—1757) — итальянский композитор, органист, клавесинист. Сын А. Скарлатти. Завоевал известность как клавесинист-виртуоз. Был органистом, капельмейстером, композитором капелл — в Неаполе (королевской, с 1701), Венеции (с 1705), Риме (с 1708, в т. ч. с 1713 в папской капелле). С 1720 придворный музыкант португальского короля в Лиссабоне. С 1729 обосновался в Испании, главным образом в Мадриде (находился на службе у испанской королевы Марии Барбары). Скарлатти писал оперы, духовную и светскую вокальную музыку, но главное место в творчестве заняли одночастные клавирные сочинения (по предположению Р. Кёркпатрика, многие из них могут быть объединены в 2-частные циклы). В этих сочинениях, названных ныне сонатами (у Скарлатти называются преимущественно «экзерсисами»), преломились черты предклассического сонатного allegro. В них воплощён широкий круг образов, сочетающих скерцозную динамику и лиричность, оригинально претворены особенности народного итальянского, португало-испанского и некоторых других танцевальных и песенных жанров. Новатор в области клавирной техники, Скарлатти применил многие из тех приёмов (в частности, репетиции, глиссандо, перекрещивание рук), которые получили развитие в фортепьянной музыке композиторов-романтиков 19 века. Лишь немногие произведения были опубликованы при его жизни, в т. ч. «Essercizii per gravicembalo» (L., 1738), «XLII Suites de pieces pour la clavecin» (v. 1—2, L., 1739), «Pieces pour la clavecins»(v. 1—3, P., 1742—46). Творчество Скарлатти было надолго почти забыто, его музыка вновь привлекла к себе внимание с 30-х гг. 19 века.

СКРЯБИН Александр Николаевич (1871/72—1915) — русский композитор, пианист, педагог. Его отец был дипломатом, мать — пианисткой. Учился в Московском кадетском корпусе (1882—89). Музыкальное дарование проявилось рано. Брал уроки (фортепьяно) у Г. Э. Конюса, Н. С. Зверева. В 1892 окончил Московскую консерваторию по классу фортепьяно у В. И. Сафонова, занимался также у С. И. Танеева (контрапункт) и А. С. Аренского (композиция). Концертировал в России и за рубежом, был выдающимся исполнителем собственных сочинений. Существенную поддержку оказал ему М. П. Беляев (издавал сочинения молодого композитора, субсидировал его концертные поездки). В 1904—10 (с перерывом) жил и работал за рубежом (в европейских странах, гастролировал также в США). Занимался педагогической деятельностью: в 1898—1903 профессор (класс фортепьяно) Московской консерватории, одновременно преподавал в музыкальных классах Екатерининского института в Москве. Среди учеников: М. С. Неменова-Лунц, Е. А. Бекман-Щербина.
         Скрябин — один из крупнейших представителей художественной культуры конца 19 — начала 20 вв. В творчестве представлены фортепьянные и симфонические жанры. В 90-х гг. созданы прелюдии, мазурки, этюды, экспромты, 1—3-я сонаты для фортепьяно, концерт для фортепьяно с оркестром, в 1900-х гг. — 3 симфонии, 4—10-я сонаты и поэмы для фортепьяно (в т. ч. «Трагическая», «Сатаническая», «К пламени»), а также такие симфонические произведения, как «Поэма экстаза» (1907), «Прометей» («Поэма огня», 1910) — этапное сочинение позднего периода творчества. Музыка Скрябина отразила бунтарский дух своего времени, предчувствие революционных перемен. В ней соединились волевой порыв, напряжённая динамическая экспрессия, героическое ликование, особая «полётность» и утончённая одухотворённая лирика. В творчестве Скрябин преодолел идейную противоречивость, свойственную его теоретическим философским концепциям (около 1900 Скрябин стал членом московского Философского общества, занимал субъективно-идеалистические позиции). Произведения Скрябина, воплотившие идею экстаза, дерзновенного, устремленного к неведомым космическим сферам порыва, идею преобразующей силы искусства (венцом таких творений, по мысли Скрябина, должна была стать «Мистерия», в которой объединяются все виды искусства — музыка, поэзия, танец, архитектура, а также свет), отличаются большой степенью художественного обобщения, силой эмоционального воздействия. В творчестве Скрябина своеобразно сочетаются позднеромантические традиции (воплощение образов идеальной мечты, пылкий, взволнованный характер высказывания, тяготение к синтезу искусств, предпочтение жанрам прелюдии и поэмы) с явлениями музыкального импрессионизма (тонкий звуковой колорит), символизма (образы-символы: темы «воли», «самоутверждения», «борьбы», «томления», «мечты»), а также экспрессионизма. Скрябин — яркий новатор в области средств музыкальной выразительности и жанров, в поздних сочинениях основой гармонической организации становится доминантовая гармония (наиболее характерный тип аккорда—т. н. прометеевский аккорд). Он впервые в музыкальной практике ввёл в симфоническую партитуру специальную партию света («Прометей»), что связано с обращением к цветному слуху.
         Творчество Скрябина оказало существенное воздействие на фортепьянную и симфоническую музыку 20 в. Получили дальнейшее развитие идеи синтеза музыки и света. В 1922 в помещении последней квартиры Скрябина в Москве организован музей.

СМЕТАНА (Smetana) Бедржих (1824-84) — чешский композитор, дирижёр, пианист, музыкально-общественный деятель. Учился игре на скрипке у своего отца — любителя музыки, затем игре на фортепьяно у Я. Хмелика и др., композиции — у И. Прокша. С 1856 жил в Гётеборге (Швеция), в 1861 вернулся в Прагу. Творчество и общественная деятельность композитора, работавшего в условиях реакционного правления австрийской империи Габсбургов, способствовали расцвету не только музыкальной, но и всей художественной культуры Чехии. С 1830 с успехом концертировал как пианист на родине и за рубежом. С 1853 выступал как симфонический дирижёр (после возвращения в Прагу организовал абонементные концерты, на которых дирижировал также произведениями русских композиторов). В 1866 — 1874 главный дирижёр «Временного театра». Возглавлял музыкальную секцию «Умелецкой беседы», работал с хором «Глагол Пражский» (писал для него произведения на чешские тексты). Музыкально-критические статьи Сметаны содействовали пробуждению интереса общественности к чешскому и славянскому музыкальному искусству. Преподавал, в т. ч. в 1848—56 в открытой им собственной музыкальной школе (Прага). После внезапной потери слуха в 1874 прекратил исполнительскую деятельность, но продолжал творческую работу.
         Творчество Сметаны отличается яркой национальной самобытностью. Вершинами его композиторского наследия являются оперные и программные симфонические сочинения, основоположник чешской оперы, Сметана разработал её жанры — героико-патриотический («Бранденбуржцы в Чехии», посвятил изгнанию немцев в 13 в.; музыка пронизана песенно-маршевыми интонациями), лирико-комический («Проданная невеста», в музыке использованы ритмы и интонации чешских народных песен и танцев), трагический («Далибор»), эпический («Либуше», воспевает мудрость и силу чешского народа). Симфонический цикл «Моя родина» утвердил классические традиции чешской симфонической музыки (продолжены и развиты А. Дворжаком) — демократизм, национальная самобытность, патриотизм. В работе над циклом Сметана, опираясь на традиции романтического программного симфонизма (главным образом Ф. Листа), использовал исторический материал, народные легенды и мелодии. Многие камерно-инструментальные произведения носят трагический характер, окрашены личными переживаниями (смерть близких, собственная болезнь и потеря слуха). Народно-песенными интонациями проникнуты вокальные произведения, ритмами народных танцев — многие фортепьянные пьесы. Исполнением цикла «Моя родина» ежегодно открывается музыкальный фестиваль «Пражская весна». В 1910—1927 издавался прогрессивный музыкальный журнал «Smetana». С 1931 существует Обществово Б. Сметаны. Имя Сметаны присвоено 2-й сцене Национального театра и крупнейшему концертному залу в Праге. Работают 3 музея имени Сметаны в ЧССР, один — в Гётеборге. С 1940 издается полное собрание сочинений.

СТРАВИНСКИЙ Игорь Федорович (1882—1971) — русский композитор, дирижёр. Сын певца Ф.И.Стравинского. В 1900—05 занимался на юридическом факультете Петербургского университета. С детских лет учился игре на фортепьяно у А. П. Снетковой и Л. А. Кашперовой. В 1903—05 брал уроки композиции у Н. А. Римского-Корсакова, которого называл своим духовным отцом. Многие годы был дружен с С. П. Дягилевым. В «Русских сезонах» в Париже прошли премьеры балетов Стравинского «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913), принесшие композитору мировую славу. С 1910 подолгу жил за рубежом. С 1914 обосновался в Швейцарии, с 1920 — во Франции, с 1939 — в США (в 1934 принял французское, в 1945 — американское подданство). Вёл широкую концертную деятельность (дирижировал преимущественно собственными сочинениями, выступал и как пианист). В 1902 состоялись авторские концерты в Москве и Ленинграде.
         Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В русский период (1908—начала 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т.д. В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонии («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симф. (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) — не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения). Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 века. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (напр., джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 века.

ТАНЕЕВ Сергей Иванович (1856—1915) - русский композитор, пианист, педагог, учёный, музыкально-общественный деятель. Сын магистра словесности, музыканта-любителя И. И.Танеева. В 1875 окончил Московскую консерваторию у Н. Г. Рубинштейна (фортепьяно) и П. И. Чайковского (композиция). Выступал в концертах как пианист-солист и ансамблист (в 1876 совершил концертное турне совместно с Л.С.Ауэром по городам Центральной и Южной России, впоследствии играл с Г. Венявским, А. В. Вержбиловичем. с «Чешским квартетом», в фортепьянных дуэтах с А. И. Зилоти, П. А. Пабстом и др.). Первый исполнитель многих фортепьянных произведений Чайковского, участвовал в исполнении собственных сочинений (в России и за рубежом). В 1878—-1005 деятельность Танеева была неразрывно связана с Московской консерваторией (с 1881 профессор), где он вёл классы гармонии, инструментовки, а также фортепьяно (1881—88), свободного сочинения (композиции, 1883—88), контрапункта и фуги (полифонии), музыкальной формы (с 1897), в 1885—89 директор. В 1905, в знак протеста против консервативных методов руководства и реакционного произвола дирекции, Танеев демонстративно покинул консерваторию, куда, несмотря на просьбы профессоров и студентов, больше не возвратился. Однако Танеев продолжал заниматься с учениками (безвозмездно, частным образом). Он оставался видной фигурой в музыкальной жизни Москвы: был одним из основателей и педагогов Народной консерватории (1906), одним из учредителей и активных членов общества «Музыкально-теоретическая библиотека» (1908), участвовал в работе Пречистенских курсов для рабочих, ряда концертных организаций. Большое внимание уделял Танеев изучению музыкального фольклора. В 1880-х гг. записал от А. А. Гатцука и обработал 27 украинских песен, позднее гармонизовал 8 малорусских песен из собрания Н. А. Янчука, во время путешествия по Сванетии (1885) записал много песен и инструментальных наигрышей народов Северного Кавказа. Ему принадлежит первое историко-теоретическое исследование фольклора народов Кавказа ([О музыке горских татар], «Вестник Европы», 1886, кн. 1, с. 94—98).
         Убеждённый последователь классики (в его музыке нашли претворение традиции М. И. Глинки, П. И. Чайковского, а также И. С. Баха, Л. Бетховена), Танеев предвосхитил многие тенденции музыкального искусства 20 века. Его творчество отмечено глубиной и благородством замыслов, высокой этичностью и философской направленностью, сдержанностью высказывания, мастерством тематического и полифонического развития. Полифония приобрела особое значение в произведениях Танеева, однако увлечение сложными полифоническими приёмами приводило порой к рационализму, рассудочности. В своих сочинениях он тяготел к нравственно-философской проблематике. Такова, напремер, его единственная опера-трилогия «Орестея» (по Эсхилу, 1894) — образец претворения античного сюжета в русской музыке. Особое значение в творчестве Танеева приобрели камерно-инструментальные произведения (его трио, квартеты, квинтеты принадлежат к лучшим образцам этого жанра в русской музыке). Он явился одним из создателей лирико-философской кантаты в русской музыке («Иоанн Дамаскин», «По прочтении псалма»). Он возродил популярный в отечественной музыке 17—18 вв. жанр — хоры a cappella (автор более 40 хоров). В инструментальной музыке особое значение придавал Танеев интонационному единству цикла. Этот музыкально-драматургический принцип в значительной мере связан с монотематизмом и воплощён прежде всего в 4-й симфонии, а также в ряде камерно-инструментальных ансамблей.
         Велик вклад Танеева - учёного в развитие музыкальной теории. Он создал уникальный труд — «Подвижный контрапункт строгого письма» (1889—1906) и его продолжение — «Учение о каноне» (конец 1890-х гг. — 1915).
         Большое историческое значение имела педагогическая деятельность Танеева (А. К. Глазунов назвал его «мировым учителем»). Он боролся за высокий уровень музыкально-теоретической подготовки учащихся консерватории всех специальностей. Танеев создал композиторскую школу, а также воспитал много музыковедов, дирижёров, пианистов (в фортепьянной педагогике Танеев явился продолжателем традиций Н. Г. Рубинштейна). Среди учеников: С. В. Рахманинов, А. Н. Скрябин, Н. К. Метнер, Р. М. Глиэр, К. Н. Игумнов, Г. Э. Конюс, Б. Л. Яворский.