БОРОДИН Александр Порфирьевич (1833—87) — русский композитор, учёный-химик, общественный деятель. Получил разностороннее домашнее, в т. ч. и музыкальное, образование. Окончил петербургскую Медико-хирургическую академию (1856). Доктор медицины (1858). Профессор (с 1864), заведующий кафедрой химии (с 1874), академик (1877) Медико-хирургической академии. Один из организаторов (1872) и педагогов (до 1885) Женских врачебных курсов. Дружба с прогрессивными учёными — Д. И. Менделеевым, И. М. Сеченовым, Н. Н. Зининым (педагог Бородина) и др., а также изучение статей В. Г. Белинского и А. И. Герцена способствовали формированию передовых общественных взглядов Бородина — просветителя-шестидесятника. Много времени отдавал он музыке, самостоятельно постигнув композиторское искусство. В 1860-х гг. стал членом «Могучей кучки». Под влиянием М. А. Балакирева, В. В. Стасова, а также общения с А. С. Даргомыжским сложились музыкально-эстетические взгляды Бородина как последователя М. И. Глинки. В эти годы написаны 1-я симфония, опера-фарс «Богатыри» (пародия на псевдоисторическую оперу), романс «Спящая княжна» и др. Большая занятость научной, педагогической работой и в то же время высокая требовательность к композиторскому творчеству обусловили длительность работы над каждым музыкальным сочинением. Так, музыка 2-й симфонии (впоследствии названной Стасовым «Богатырской») написана в основном в течение 2 лет, но завершение партитуры потребовало ещё несколько лет. Над оперой «Князь Игорь» Бородин работал 18 лет (не была завершена, её дописали по материалам Бородина и дооркестровали Н. А. Римский-Корсаков и А. К. Глазунов).
        Творческое наследие Бородина невелико по объёму. В его сочинениях нашли воплощение любовь к родине, идея величия русского народа, свободолюбие. Центр, место в музыке Бородина занимают богатырские образы русской истории, героического эпоса, к которым он обращался, чтобы понять современность. Эпическая широта сочетается у Бородина с глубоким лиризмом. Его лирика — мужественная, уравновешенная и в то же время страстная, трепещущая. Наряду с чутким проникновением в характер русского музыкального фольклора композитор постигал музыку народов Востока. В его произведениях соседствуют русские образы и восточные — пленительные, полные неги и воинственные.
        Не только для образного содержания, но и для всего музыкального стиля Бородина характерна эпичность. Музыкальная драматургия его произведений основана на принципе неторопливого развёртывания музыкального материала, длительного пребывания в одном эмоциональном состоянии. Мелодии близки русским обрядовым народным песням (по своему строению, ладовым признакам). Отличительные черты метода Бородина — при опоре на народную музыку обобщённое воспроизведение её характерных признаков через оригинальные музыкальные образы; отсутствие фольклорных цитат; использование классических форм. Для гармонического языка, в основе своей диатоничного (хотя композитор использует и изысканный хроматизм), характерна мелодичность насыщенность, идущая от русской народной подголосочной полифонии.
        Наиболее значительное сочинение Бородина, образец национального героического эпоса в музыке — опера «Князь Игорь» (по «Слову о полку Игореве»). В ней объединены черты эпической оперы и исторической народно-музыкальной драмы. Бородин — один из создателей русской классической симфонии. Его симфонии (1-я написана одновременно с первыми образцами этого жанра у Н. А. Римского-Корсакова и П. И. Чайковского) знаменовали героико-эпическое направление в русском симфонизме, вершиной которого стала 2-я симфония. Бородин был также одним из творцов русского классического квартета (особенно выделяется своей лиричностью 2-й струнный квартет). Бородин явился новатором и в области камерно-вокальной лирики. Первым ввёл в романс образы русского богатырского эпоса. Наряду с эпическими романсами-балладами («Море», «Песнь тёмного леса») ему принадлежат также сатирические песни. Тонкий художник романса, он создал неповторимую по глубине и трагичности чувства, благородству выражения элегию «Для берегов отчизны дальней». Яркое самобытное творчество Бородина оказало плодотворное воздействие на всю последующую русскую, а также и зарубежную музыку.

БОККЕРИНИ (Boccherini) Луиджи (1743—1805) —итальянский композитор, виолончелист. С 1757 жил в Риме, с 1761 1-й виолончелист капеллы в Лукке, основатель струнного квартета. Гастролировал в Италии и других европейских странах. С конца 1768 (или начала 1769) жил в Мадриде. Творчество Боккерини отразило процесс формирования классического музыкального стиля 18 века. Наибольшее значение имеют его виолончельные сочинения , в их числе концерты для виолончели с оркестром ; камерно-инструментальные ансамбли (в частности, впервые им созданные квинтеты с 2 виолончелями). Среди других сочинений : около 30 симфоний, пьесы, инструментальные сонаты, культовая музыка. В произведениях Боккерини прослеживаются влияния итальянской и испанской народной музыки.

БОРТНЯНСКИЙ Дмитрий Степанович (1751—1825) — русский композитор. По национальности украинец. Брал уроки композиции у Б. Галуппи. В 1760-х гг. как певец участвовал в оперных спектаклях и концертах. В 1769—79 жил в Италии. С 1779 капельмейстер, с 1796 директор вокальной музыки и управляющий Придворной певческой капеллой в Петербурге (способствовал её расцвету).
        Бортнянский работал во многих жанрах. Центральное место в творчестве занимала хоровая духовная музыка. Мастер хорового письма a cappella , Бортнянский наряду с М. С. Березовским создал новый тип руccкого хорового концерта, использовав достижения в области оперы и инструментальной музыки. Его концерты выходят за рамки церковной музыки. Во многих из них воплощена глубокая философская тема. Писал также светские хоры, в их числе — патриотическая песня «Певец во стане русских воинов» (слова В. А. Жуковского, 1812). В творческом наследии Бортнянского — несколько опер (на итальянские и французские либретто), в т. ч. «Сын-соперник, или Современная Стратоника» (на французский текст). Камерно-инструментальные произведения Бортнянского стали первыми русскими образцами крупной формы. Музыка Бортнянского, стилистически близкая раннеклассической европейской, содержит интонации русской и украинской бытовой песни.

БРАМС (Brahms) Иоганнес (1833—97) — немецкий композитор, пианист, дирижёр. Родился в семье музыканта-контрабасиста. Обучался музыке у отца, затем у Э. Марксена. Испытывая нужду, работал тапёром, давал частные уроки. Одновременно интенсивно сочинял, но большинство ранних сочинений позже уничтожил. В возрасте 20 лет совместно с венгерским скрипачом Э. Ременьи совершил концертную поездку, во время которой познакомился с Ф. Листом, И. Иоахимом и Р. Шуманом, который в 1853 на страницах журнала «NZfM» приветствовал талант композитора. В 1862 переехал в Вену, где успешно выступал как пианист, позднее и как хоровой дирижёр в Певческой капелле и Обществе друзей музыки. В середине 70-х гг. Брамс целиком посвящает себя творческой деятельности, выступает с исполнением своей музыки как дирижёр и пианист, много путешествует.
        В обстановке борьбы сторонников Ф. Листа и Р. Вагнера (веймарская школа) и последователей Ф. Мендельсона и Р. Шумана (лейпцигская школа), не примкнув к какому-либо из этих направлений, Брамс глубоко и последовательно развивал классические традиции, которые обогатил романтическим содержанием. Музыка Брамса воспевает свободу личности, нравственную стойкость, мужество, проникнута порывистостью, мятежностью, трепетным лиризмом. Импровизационный склад сочетается в ней со строгой логикой развития.
        Музыкальное наследие композитора обширно и охватывает многие жанры (за исключением оперы). 4 симфонии Брамса, из которых особенно выделяется последняя, — одно из высших достижений симфонизма 2-й половины 19 в. Вслед за Л. Бетховеном и Ф. Шубертом Брамс понимал композицию симфонии как инструментальную драму, части которой объединены определенной поэтической идеей. По художественной значимости к симфониям Брамса примыкают его инструментальные концерты, трактованные как симфонии с солирующими инструментами. Скрипичный концерт Брамса (1878) принадлежит к числу наиболее популярных произведений этого жанра. Большой известностью пользуется также 2-й фортепьянный концерт (1881). Из вокально-оркестровых сочинений Брамса наиболее значителен «Немецкий реквием» (1868) с его размахом и проникновенной лирикой. Разнообразна вокальная музыка Брамса , видное место в которой занимают обработки народных песен. Произведения камерно-инструментального жанра относятся преимущественно к раннему (1-е фортепьянное трио, фортепьянный квинтет и др.) и к позднему периодам жизни Брамса , когда возникли лучшие из этих произведений , для которых характерны усиление героико-эпических черт и одновременно субъективно-лирическая направленность (2-е и 3-е фортепьянное трио, сонаты для скрипки и для виолончели с фортепьяно и др.). Фортепьянные произведения Брамса отличаются контрапунктически развитой фактурой, тонкой мотивной разработкой. Начав с сонат, Брамс в дальнейшем писал для фортепьяно главным образом миниатюры. В фортепьянных вальсах и «Венгерских танцах» выразилось увлечение Брамсом венгерским фольклором. В последний период творчества Брамс создал фортепьянные произведения камерного плана (интермеццо , каприччио).
Подробнее...

ВАГНЕР (Wagner) Рихард (1813—83) — немецкий композитор, дирижёр, драматург, музыкальный писатель. Воспитывался в артистической семье, с ранних лет увлекался театром. В 1834—39 капельмейстер в оперных театрах Магдебурга, Кенигсберга, Риги. В 1839—42 жил в Париже, где познакомился с Г.Берлиозом, Ф. Листом и Дж.Мейербером. В 1843 дирижёр Приди, оперы в Дрездене. За участие в Дрезденском восстании 1849 объявлен государственным преступником. В период «швейцарского изгнания» (1849— 58) написаны основные литературные трактаты. В 1859—63 Вагнер совершил ряд концертных турне по Европе (Великобритания, Франция, Германия, Россия). В 1864 жил в Мюнхене, где пользовался покровительством баварского короля Людвига II. С 1865—вновь в Швейцарии, в 1872—82— в Байрейте. Здесь по его инициативе был построен Байрейтский театр, в котором в 1876 полностью поставлено «Кольцо нибелунга», в 1882 — опера «Парсифаль». Формирование мировоззрения Вагнера проходило под воздействием общественно-политических событий 1830—40-х гг. Написанные в 1840—41 оперы «Летучий голландец» и «Риенци» свидетельствуют об увлечении Вагнера романтической оперой. В операх «Тангейзер» (1845) и «Лоэнгрин» (1848) романтические темы и образы (их концепция близка «Эврианте» Вебера) приобрели более обобщённо-эпическое звучание. Одновременно эти оперы стали этапом в движении Вагнера к задуманной им оперной реформе. Вагнер сам создаёт тексты своих опер, выявляет динамические и драматургические возможности лейтмотивного принципа и насыщает музыкальную ткань гибкими и сложными тематическими преобразованиями , симфонизируя оперу.
        В литературных трактатах «Искусство и революция» (1849), «Художественное произведение будущего» (1850), «Опера и драма», «Обращение к моим друзьям» (1851) Вагнер сформулировал основные теоретические положения своего оперного творчества: необходимость создания универсального художественного произведения, призванного нравственно воздействовать на массовую аудиторию; признание за музыкальной драмой возможности достижения такого универсализма путём синтеза искусств (пластического, изобразительного, поэтического и музыкального) ; потребность музыкальной драмы в обобщённом, оперирующем вечными философско-эстетическими категориями сюжете, основой которого, по мнению Вагнера, мог стать только миф. Свои музыкально-сценические произведения Вагнер называл «торжественными сценическими представлениями» (Buhnenfestspiele). Новаторская музыкальная эстетика Вагнера нашла выражение в грандиозном замысле тетралогии «Кольцо нибелунга». Однако работа над ней была прервана. Став свидетелем кризиса революционного движения, Вагнер отошёл от первоначального замысла, увлекся философией А. Шопенгауэра, повлиявшей на концепцию следующей его оперы «Тристан и Изольда» (1859). Это произведение символизировало рождение позднеромантического стиля, для которого характерны повышенная экспрессия выражения, хроматизированная гармония. В «Тристане и Изольде» Вагнер пришёл к новому типу мелодики («бесконечная мелодия»), прообраз которой — в 5 стихотворениях на текст М. Везендонк (1858). Одновременно в «Тристане и Изольде» были продолжены поиски, начатые в работе над ранними операми: следуя по пути симфонизации оперы, композитор создал гигантскую, проникнутую динамикой сквозного развития «вокально-симфоническую поэму», не имеющую аналогов в истории оперы.
        В опере «Нюрнбергские мейстерзингеры» (1867) Вагнер обратился к конкретно-историческому сюжету, национальному колориту, красочному показу быта, к обычаям средне-вековых ремесленников, чем вызвано обилие в ней хоровых сцен и завершенных жанровых эпизодов, использование народно-песенных элементов. В 1876 была окончательно завершена работа над «Кольцом нибелунга» — циклом из 4 опер: «Золото Рейна» (1854), «Валькирия» (1856), «Зигфрид» (1871), «Гибель богов» (1874). В разработанной им на основе скандинавского и германского эпоса мифологической концепции Вагнер стремился к воссозданию максимально обобщённой мифологизированной картины мира. В тетралогии осуществлен синтез философско-поэтического и музыкального начал, который находит выражение в чёткой и разветвленной системе лейтмотивов, последовательном развитии образов, разработанной драматургии тембров, новом вокально-симфоническом типе музыкального мышления. Последняя опера Вагнера — «Парсифаль» (1882) — произведение мистическое, религиозно-христианское по своей тематике, названа композитором «торжественной сценической мистерией».
        Творчество Вагнера, одного из крупнейших оперных композиторов 19 в., оказало сильное влияние на композиторов последующего поколения — А. Брукнера, X. Вольфа, Г. Малера, Р. Штрауса, составило эпоху в музыкально-театральном искусстве. Оно оказало мощное влияние на дальнейшее развитие европейской музыки в целом.

ВАРЛАМОВ Александр Егорович (1801—48) — русский композитор. С 1829 учитель пения Петербургской придворной певческой капеллы, в 1832—43 «композитор музыки» и помощник капельмейстера императорских театровров в Москве. В 1834 — 1835 издает нотный журнал «Эолова арфа». С 1845 жил в Петербурге. Мастер романса, Варламов создал около 200 произведений этого жанра (преимущественно на слова русских поэтов), приблизив их к народным истокам. Общенародной стала его песня «Красный сарафан». Популярны также «Вдоль по улице метелица метёт», «На заре ты её не буди», «Белеет парус одинокий» и др. Выступал как камерный певец (тенор), преимущественно с исполнением собственных сочинений, а также как гитарист и дирижёр. Варламов принадлежит одно из первых русских методических руководств в области вокальной педагогики «Полная школа пения».

ВЕБЕР(Weber) Карл Мария фон (1786-1826) - немецкий композитор, дирижёр, пианист, муз. писатель, критик. Отец В. - оперный капельмейстер и антрепренёр. В. обучался композиции у M.Гайдна, Г. И. Фоглера и др. До 1813 работал во многих немецких городах, выступал как пианист и дирижёр. Как рук. и дирижёр оперного т-ра в Праге (1813- 1S16) и Дрездене (1817-26) В. пропагандировал австро-немецкое оперное искусство. Скончался в Лондоне, куда был приглашён для постановки оперы "Оберон".
        В. - один из основоположников немецкого музыкального романтизма. На формирование личности и эстетических взглядов В. - муз.-обществ деятеля, публициста - оказал влияние подъём национального самосознания в Германии. В. - создатель немецкого романтич. оперного театра. Оперы В."Вольный стрелок", "Эврианта" и "Оберон" открыли различные пути, по которым развивалась романтич. опера 19 в. Из них наиболее популярной стал "Вольный стрелок", в котором В. развил традиции зингшпиля, преобразовал и обогатил этот жанр в духе романтич. эстетики. "Эврианта", воплощающая нац.-героич. идеи средствами жанра большой романтич. оперы, оказала сильное влияние на развитие немецкого музыкального театра, включая такие произведения, как "Тангейзер" и "Лоэнгрин". Пианист-виртуоз, В. в фортепьянных сочинениях утверждал блестящий концертный стиль. Автор муз.-критич. статей и рецензий, стихов, неоконч. романа "Жизнь музыканта" , которые представляют значит, исторический и художественный интерес.

ВЕДЕЛЬ Артемий Лукьянович (1767, по другим данным 1770, 1772— 1808) — украинский композитор, хоровой дирижёр, певец (тенор). В 1790 организовал и возглавил в Киеве хор из «солдатских детей и вольных людей». В 1790—98 вёл класс вокальной музыки в Харьковском коллегиуме и одновременно руководил хорами церковных певчих. Автор 29 церковных хоровых концертов, в ряде которых сам исполнял теноровые соло. В сочинениях Веделя сказалось влияние украинской народной песни.

ВЕРДИ (Verdi) Джузеппе (1813—1901) —итальянский композитор. Родился в семье крестьянина-трактирщика. Учился у деревенского церковного органиста в Ронколе (провинция Парма), у Ф. Провези в Буссето, у В.Лавиньи в Милане. В 1835—38 жил в Буссето, возглавлял музыкальную жизнь города (устраивал концерты, занимался с оркестрантами и певцами, сочинял музыку). Уже в эти годы определилось призвание Верди как оперного композитора. В 1839 в Милане с успехом была поставлена его первая опера —«Оберто, граф Сан-Бонифачо» (написана в 1837). Известность композитору принесла опера «Навуходоносор» («Набукко», 1841), в которой нашли выражение волновавшие итальянскую публику национально-освободительные идеи) связанные с борьбой Италии за независимость. Оперы «Ломбардцы...» (1842), «Жанна д'Арк» (1845), «Аттила» (1846) и др. продолжили героико-патриотическую линию его творчества. Откликом на революционные события 1848 явилась опера «Битва при Леньяно» (её постановка в 1849 в Риме превратилась в народное торжество).
        Уже в ранних сочинениях проявился интерес Верди к сюжетам большого идейного содержания, насыщенным драматизмом, яркой контрастностью, сильными чувствами, которые он находил в произведениях великих драматургов: оперы «Эрнани» (по драме В. Гюго, 1844), «Макбет» (по трагедии У. Шекспира, 1847), «Луиза Миллер» (по трагедии «Коварство и любовь» Шиллера, 1849) и др. Большой выразительности вокальной декламации и оркестрового письма достиг Верди в опере «Макбет», ставшей шагом к созданию музыкально-психологической драмы. Опера «Луиза Миллер» открыла новый этап творчества Верди : обращение к образам не исключительных личностей, а обыкновенных людей с их чувствами и переживаниями. В знаменитой триаде 1850-х гг. — операх "Риголетто" (по драме «Король забавляется» Гюго, 1851), «Трубадур» (по драме А.Гарсии Гутьерреса, 1853), «Травиата» (по драме «Дама с камелиями» А.Дюма-сына, 1853)—раскрылись лучшие черты музыкально-драматургического дарования композитора : глубокое постижение внутреннего мира героев; простота и выразительность музыкального языка ; песенность, идущая от итальянской народной музыки; стремление к напряжённой динамике развития; высокий гуманизм, направленный на обличение социальной несправедливости.
        В операх 50—60-х гг. Верди вновь обращается, в связи с ростом национально-освободительного движения, к историко-героическим сюжетам, связывая воедино личную драму героев с общественно-политическими событиями: «Сицилийская вечерня» (1854, написана для Парижской оперы), «Симон Бокканегра» (1857), «Бал-маскарад» (1859), «Сила судьбы» (соч. 1861, по заказу петербургского Мариинского театра; в связи с постановкой оперы Верди дважды посетил Россию—1861, 1862). Эти произведения отличают сочетание динамизма и яркости массовых сцен с углублённым психологизмом, усиление оркестровой выразительности, повышение роли декламации в вокальных партиях. К наиболее значительным созданиям Верди принадлежат оперы «Дон Карлос» (по драме Шиллера, 1867, написана для Парижской оперы) и «Аида» (1870, по заказу египетского правительства в связи с открытием Суэцкого канала). Использованные в «Аиде» элементы жанра большой оперы — развитые ансамбли, развёрнутые массовые сцены, торжественные шествия, балеты — полностью подчинены раскрытию глубокого гуманистического содержания. Близок лучшим поздним операм, в частности «Аиде», Реквием (на смерть писателя-патриота А. Мандзони).
        Вершинные творения Верди - музыкальная драма «Отелло» (1886) и комическая опера «Фальстаф» (1892). В «Отелло» Верди достиг полного слияния музыки с драматическим действием. Он отказался от традиционных арий, дуэтов (заменены монологами, диалогами , сценами, основанными на сквозном музыкальном развитии). Тот же принцип применен в «Фальстафе». Тем самым Верди реформировал комическую оперу на основе достижений реалистической музыкальной драмы 19 века.
        Творчество Верди — высшая точка развития итальянской оперы 19 века и одна из вершин оперного реализма в мировом музыкальном искусстве. Продолжая традиции своих предшественников и современников (Д,ж. Россини, Г.Доницетти, В.Беллини), осваивая опыт оперных школ (Ш. Гуно, Р. Вагнер) и опираясь на песенные истоки итальянской народной музыки, Верди создал свой стиль, для которого характерны яркая театральность, острота и выпуклость в обрисовке действующих лиц и ситуаций, непрерывность развития, гибкость вокальной декламации, мастерство ансамбля, усиление роли оркестра. Демократичность, глубокая человечность творчества Верди принесли ему большую популярность. Его оперы исполняются во всех оперных театрах мира.
Подробнее...

ВЕРСТОВСКИЙ Алексей Николаевич (1799—1862) —русский композитор, театральный деятель. В 1825—60 служил в московских императорских театрах: вначале инспектор музыки, с 1830 — репертуара, с 1848 управляющий конторой дирекции. Его 35-летнюю работу в театрах называют «эпохой Верстовского». Творчество Верстовского связано главным образом с театральными жанрами. К лучшим русским операм доглинкинского периода принадлежит его «Аскольдова могила »(1835). Был одним из создателей жанра русской оперы-водевиля. В операх Верстовского народное русское начало сочетается с романтизированной фантастикой. Его музыка, основанная на бытовом материале (использование романсовых мелодий), отличается доступностью. Автор многих вокальных сочинений , среди которых выделяются романтические баллады («Чёрная шаль»), и др.